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Si quiere ver cómo ha cambiado la definición de “escándalo” a lo largo de las décadas, no busque más que “Taking Venice”. Este es el documental muy entretenido y esclarecedor de Amay Wallach sobre una agitación legendaria en el mundo del arte. Esta película documenta lo ocurrido en la Bienal de Venecia de 1964. La Bienal es una exposición de arte contemporáneo que se celebra una vez cada dos años y al final se otorga un prestigioso Gran Premio. En ese momento, la Bienal era considerada como las Olimpiadas del mundo del arte. No sólo los artistas sino también los países que representaban compitieron por la supremacía cultural. En los años cincuenta y principios de los sesenta, el Gran Premio se otorgaba a menudo a los franceses (Matisse, Max Ernst, Georges Braque), pero en 1964 Estados Unidos concedió el premio a su propio artista, Robert Rauschenberg, que decidió lanzar una “diplomacia cultural”. ” campaña con la esperanza de ganar la bienal.
Las pinturas de técnica mixta de Rauschenberg, conocidas como “The Combine”, eran deslumbrantes y rebeldes. Era tridimensional en todos los sentidos. Se proyecta hacia el espectador, creando una loca yuxtaposición de imagen y abstracción, derribando la puerta a la revolución del arte pop. Fue audaz y elaborado. Los burócratas estadounidenses no pretendían ser críticos de arte, pero conocían su talento. Vieron a artistas como Rauschenberg a la vanguardia de una nueva ola estética y que sus pinturas hablaban del tipo de país en el que se estaba convirtiendo Estados Unidos.
Estados Unidos quería utilizar el arte como sustituto para afirmar su supremacía global (también para luchar en la Guerra Fría). Esto es similar a lo que ocurrió en los Juegos Olímpicos de Verano de 1936 en Berlín. Para Estados Unidos, Alemania y el mundo en general, los Juegos Olímpicos fueron vistos como un enfrentamiento, literal y figurado, entre dos estilos de vida: la superestrella negra del atletismo Jesse Owens encarnaba los ideales estadounidenses y los corredores de la Alemania nazi se convirtieron en portavoces de La fantasía racista de Hitler de una raza aria físicamente superior. (La victoria de Owens puede haber sido un presagio de la derrota de Alemania en la Segunda Guerra Mundial).
Pero la Bienal de Venecia de 1964 fue más que un simple concurso internacional. Este evento representó un cambio de paradigma. En otras palabras, París como centro del mundo del arte fue derrocado, dando paso a una nueva era dominada por Nueva York y estrellas estadounidenses de espíritu libre (Rauschenberg, Jasper Johns, Jackson Pollock, Andy Warhol).
Durante la Bienal, Estados Unidos apoyó a Rauschenberg con una campaña masiva de relaciones públicas, a la que la película a veces se refiere como una “conspiración”. Todos allí sabían que los estadounidenses ejercían el poder y trabajaban incansablemente para hacer todo lo que estuviera a su alcance para ganar el gran premio. ¿Pero hicieron algo detrás de escena? No precisamente. No se utilizaron sobornos ni se aplicó presión política externa. Más bien se trataba de comunicados de prensa y fiestas memorables. Entre los que conspiraron para promover a Rauschenberg se encontraban la curadora de arte estadounidense Alice Denny y el afable director del Museo Judío, Alan Solomon, quien organizó la exposición. Entre ellos se encuentran Leo Castelli, un legendario comerciante de arte que ya no tiene rival en lo que respecta a la organización de espacios, y la ex esposa de Castelli, Ileana, que abrió su propia galería en París y continuó colaborando con Castelli allí, añadió Sonneband. Todos ellos, a su manera, intentaban difundir la noticia de que la revolución artística estadounidense era la nueva realeza. La máquina de los Oscar de Harvey Weinstein en los años 90 lo habría aprobado.
“Capturing Venice” es en cierto sentido un retrato de Rauschenberg, y es lo suficientemente misterioso y carismático como para hacerte querer ver una película biográfica sobre él. Un joven Gary Oldman con su sonrisa sexy habría sido el reparto perfecto (y Oldman puede interpretar a Rauschenberg hasta bien entrada la mediana edad). Rauschenberg y Jasper Johns, ambos homosexuales y con una limpia mística muy similar, se convirtieron en amantes. Jones también apareció en la exposición de la Bienal de 1964, portando una diana y una bandera. Esta película da pistas de la complicada amistad entre los dos.
Hubo una rareza notable en PR. Artistas de cada país se expusieron en pabellones nacionales separados en Venecia. Sin embargo, el Pabellón Americano se consideró demasiado pequeño y en mal estado (y lo era). Por lo tanto, se dispuso que las pinturas de Rauschenberg se exhibieran en el majestuoso consulado estadounidense, que en ese momento no estaba en uso. Pero cuando Rauschenberg estuvo a punto de ganar el gran premio, se produjo un pequeño revuelo. ¿Los estadounidenses infringieron las normas? ¿Deberían ser descalificados porque el cuadro de Rauschenberg está expuesto en el edificio equivocado? Los siete jurados estaban divididos al respecto. Fue un gran alboroto en una taza de té de importancia global, como pasar seis meses decidiendo la forma de la mesa que se utilizaría para negociar el fin de la guerra de Vietnam. En el último momento llegó un barco para transportar el cuadro de Rauschenberg desde el consulado hasta el pabellón americano. Entonces el cuadro fue colocado en el lugar correcto. ¿Pero fue esto un escándalo?
“Taking Venice” es un muy buen documental, aunque con un sorprendente sentimentalismo. Todo tiene una vibra de “estamos conmocionados, estamos conmocionados…”. Algunos comentaristas, como el experto en arte Hiroko Ikegami, han sugerido que el premio de Rauschenberg fue “orquestado”. Pero la mayor ironía y la mayor broma de la Bienal de Venecia de 1964 fue que nunca se rompieron reglas y que los estadounidenses utilizaron tácticas agresivas de relaciones públicas para promover a artistas que merecían abrumadoramente el premio (lo cual, de hecho, así era). “No estamos haciendo trampa”, dijo Alice Denny. “Teníamos un objetivo, como todos los países”. Imagínese que Paramount Pictures fuera acusada de realizar una campaña incesante para que “El Padrino” ganara el premio a la Mejor Película en 1972. Quiero que lo intente. Quizás lo fue. Pero incluso si lo fuera, ¿a quién le importaría?
entiendo. El mundo del arte en 1964 era un lugar mucho más civilizado y educado. No hubo actividad de relaciones públicas. Pero eso es parte del cambio y, en cierto modo, ese es el verdadero encanto de “Taking Venice”. Capta el momento en que el mundo del arte, cautivado por el nuevo entusiasmo americano, cambió de actitud. El crítico Irving Sandler señala que el mercado del arte tal como lo conocemos no existió hasta 1958, cuando el Museo Metropolitano de Arte compró “Autumn Rhythm (Number 30)” de Jackson Pollock por 30.000 dólares. El arte aún no estaba conectado a los medios.
Cuando sucedió en la Bienal, todos quedaron en shock. Por mucho que me llamó la atención la idea misma de las pinturas de Warhol, las pinturas de Warhol fusionaban arte y medio (e hizo algo mil veces más atrevido: me emocionó la fusión). Con la Bienal, se podría decir que Estados Unidos se ha involucrado en la propaganda del mundo del arte. Pero desde otra perspectiva, ¿ha habido alguna vez una campaña de propaganda estadounidense más justa? Estábamos apoyando al caballo correcto por la razón correcta. Era el caballo más hermoso.
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